Das Genre des Minimalismus zeigt sich in verschiedenen Kunstformen: Malerei, Musik und Literatur. Es entstand in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts und entstand als Antwort auf den abstrakten Expressionismus. Minimalisten versuchten, sich von den Ausdrucksmerkmalen des abstrakten Expressionismus zu entfernen, da sie diese Werke für zu pompös hielten und das Wesen der Kunst selbst herunterspielten. Im Gegenteil, Künstler des minimalistischen Genres versuchten, aus einfachen Linien und Figuren ein Bild zu schaffen. Minimalismus zeichnet sich durch die Interpretation von Werken durch die Augen des Betrachters aus. Speziell für dieses Kunstwerk werden alle komplexen Objekte, Ausdrucksmittel, Biografien und soziale Programme entfernt. Der Betrachter soll das Bild so sehen, wie es wirklich ist: voller jungfräulicher Schönheit und Ehrlichkeit.
Aufgrund der starken Betonung der Grundelemente wurde das Genre des Minimalismus als ABC-Kunst bezeichnet. Die meisten der bekanntesten Minimalisten waren Bildhauer, aber der Minimalismus war auch in der Land Art vorherrschend, einem Ableger des Genres, das darauf abzielte, Kunst in Form von Landschaften zu schaffen, im Wesentlichen ein Zweig der Landschaftsgestaltung.
Auch der Minimalismus konzentriert sich auf die Bewegung von Licht und Raum, aber viele Künstler dieses Genres versuchen in ihren Werken die Leere abzubilden.
Man glaubte, dass der Minimalismus seinen Ursprung in Asien hat. Für die Arbeit vieler westlicher Künstler, wie Agnes Martin beispielhaft zeigt, hat der Zen-Buddhismus einen großen Einfluss. Die große Masse minimalistischer Künstler wurde von dem Konzept der "Leere" beeinflusst, das den hinduistischen Schriften entlehnt ist. Mono-ha war eine der größten minimalistischen Bewegungen in Asien. Es war Japans erste international anerkannte zeitgenössische Kunstbewegung. Mono-ha, auch als "Schule der Dinge" bezeichnet, entstand Mitte der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts und wurde dann zu einer innovativen Kunstbewegung. Diese Gruppe wurde von Li Ufang und Nobuo Sekine angeführt. Es war der einzige Verband, der seine Aktivitäten als "Nicht-Kreativität"-Aktivitäten positionierte. Solche Gruppen lehnten traditionelle Vorstellungen von Repräsentation ab. Ihr Wunsch war es, die Welt durch die Interaktion mit Materialien und deren Eigenschaften zu offenbaren, ähnlich dem westlichen Trend des Minimalismus.
Wir bieten die berühmtesten Werke der minimalistischen Kunst zum Betrachten an, wobei die Zugehörigkeit zu diesem Genre betont wird. Ihnen werden auch Gemälde und Skulpturen präsentiert, die traditionelle Vorstellungen von Kunst im Allgemeinen zerstören, da sie die Unterschiede zwischen ihnen beseitigt haben.
Frank Stella "Banner himmelwärts!" (1995)
Frank Stella gilt als Maler, Bildhauer und Grafiker als einer der einflussreichsten heute lebenden amerikanischen Künstler. Seine Gemälde voller Streifen sowie grandioser Drucke revolutionierten nicht nur die Welt des Minimalismus, sondern auch die Abstraktion. Der Autor stellt fest, dass der größte Einfluss auf sein Werk von den abstrakten Künstlern Pollock und Klein ausgeübt wurde. Aber durch den Willen des Schicksals wurde Frank Stella einer der Gründerväter des Minimalismus.
"Banner hoch!" benannt nach dem Marschlied der Nazis, aber alles außer dem Namen des Bildes scheint keine Bedeutung zu haben. Diese Arbeit ist Teil eines großen Zyklus von Stellas dunklen Werken. Die im Bild gut sichtbaren Lichtlinien sind nur eine unbehandelte Leinwand zwischen breiten schwarzen Streifen. Dieses monochrome Werk ist eines der berühmtesten Gemälde, das die abstrakte Bewegung herausfordert.
Robert Morris, Ohne Titel (Mirror Cubes) (1965/71)
"Untitled (Mirror Cubes)" von Robert Morris zeigt ihn nicht nur als Schöpfer des minimalistischen Genres, sondern auch als konzeptuellen. Der Autor stieß auf große graue Kästen aus Sperrholz, die als Dekoration verwendet wurden, als er noch mit einer Ballettkompanie auftrat. In seiner Arbeit bedeckte er diese Kästen mit Spiegeln, veränderte so die Wahrnehmungsweise und fügte einfachen grauen Würfeln neue visuelle Eigenschaften hinzu. Die Komposition zielt auf die direkte Interaktion des Betrachters mit dem Objekt ab: Zwischen den verspiegelten Kuben schreitend, kollidieren die Betrachter unwillkürlich mit sich selbst und bleiben wie allein mit ihren Gedanken, aber mit allen allein. Das Bewundern eines Kunstwerks wird plötzlich durch das Suchen unterbrochen. Auf dieser Grundlage findet die "Invasion" des Galerieraums statt. Ein Mensch beginnt, die Präsenz der Kunst jenseits des Sichtbaren zu spüren.
Agnes Martin, Zurück in die Welt (1997)
Agnes Martin malte Gemälde, die keinerlei Objekte abbildeten, aber ihre Namen unterstrichen den starken Reiz der Natur. Martins Arbeit wurde durch ein Raster erkannt, das Minimalismus und Farbgebung kombiniert. Das Raster wurde verwendet, um den Raum der Leinwand zu organisieren. Sie hat dazu beigetragen, eine endlose Vielfalt beruhigender Werke in subtilen Farbschemata zu schaffen.
Stark von Zen-Buddhismus und Taoismus beeinflusst, war Martin die meiste Zeit ihres Lebens sehr losgelöst von der Welt und lebte sogar in New Mexico. Im Alter von 40 Jahren wurde bei ihr Schizophrenie diagnostiziert. "Zurück in die Welt" wurde in ihrem neunten Lebensjahrzehnt geschrieben. Zu dieser Zeit war sie in einem Pflegeheim. Die Streifen in Blau, Pfirsich und Gelb unterstreichen weiterhin die Exklusivität der Kunst in einer Welt voller Korruption, daher reduzierte sie die Größe ihrer Leinwände, um die Handhabung einfacher zu gestalten.
Ellsworth Kelly, Rot, Gelb, Blau II (1953)
Der Dienst während des Zweiten Weltkriegs hatte einen deutlichen Einfluss auf Ellsworth Kelly. Es wurde in gewisser Weise als Beobachtung von Natur und Architektur verwendet und dann in der Praxis angewendet. Ein sorgfältiges Studium der Abstraktion durch den Autor und ihrer Anwendung in seinen Werken entwickelte den Minimalismus. Die Gemäldeserie "Rot, Gelb, Blau" beeinflusste die Malweise. Es entstand, als Kelly die endlosen Möglichkeiten des monochromen Farbspektrums, des Zufalls und der Multi-Panel-Komposition entdeckte.
Red Yellow Blue II besteht aus sieben Panels. Das zentrale schwarze Paneel ist sowohl ein Trennpaneel als auch drei Paneele auf jeder Seite. Blaue Paneele an den Enden betonen Kellys Komposition. Es ist dieses Werk, das als eines seiner besten Werke sowie als das größte Werk während seines Aufenthalts in Paris gilt.
Sol Levitt, Bemalte Wände
Sol Levitt hat in 40 Jahren seiner Karriere 1.350 Wände bemalt, davon 3.500 Installationen an 1.200 Standorten. Die Designs waren völlig unterschiedlich: von geraden Streifen, die mit schwarzem Schiefer aufgetragen wurden, über mehrfarbige Wellenlinien, einfarbige geometrische Formen und helle Flächen, die mit Acryl bemalt wurden. Der Autor lehnte die traditionelle Bedeutung der eigenen Hand des Schöpfers ab, die es ihm ermöglichte, anderen bei der Schaffung seines Kunstwerks zu helfen. Seine Wandmalereien nahmen die Formen der Räume an, die sie besetzten, und wurden daher im Bereich der Architektur und Kunst studiert.
Levitt verstarb 2007, aber sein Werk lebt weiter, weil der Geist des Künstlers darin eingebettet ist. Heutzutage gibt es mehrere Künstler, die sich weigern, seine Wandmalereien nachzubilden und ihnen so erlauben, Wände auf der ganzen Welt zu schmücken.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Der Rainbow Picket ist eine raumgroße Installation. Es besteht aus sechs Trapezen, die sich in Farbe und Länge unterscheiden. Neben der ersten Einzelausstellung in der Rolf Nelson Gallery in Los Angeles (Januar 1966) wurde diese Arbeit in der Grundlagenausstellung „Basic Structures“ im Jüdischen Museum gezeigt.Clement Greenberg, renommierter Kritiker, bezeichnete diese Arbeit als die beste auf diesem Gebiet. 2004 wurde die Rainbow Picket rekonstruiert und später wurde das Objekt zum Markenzeichen von LAMOCA „Minimalistic Future? Kunst als Objekt (1958-1968)".
Indem sie Arbeiten wie diese schuf und die Möglichkeiten der Farbe mit ihren selbst erstellten räumlichen Mustern und Schemata testete, wurde Judy Chicago als Innovatorin im minimalistischen Genre bekannt.
Dan Flavin, "Ohne Titel (Nach Harold Joachim) 3" (1977)
"Ohne Titel (nach Harold Joachim) 3" ist eines von vielen Werken von Dan Flavin. Es besteht aus LED-Lampen und Metallclips. Der Autor hat sich drei Jahrzehnte lang mit den Möglichkeiten von Fluoreszenzlicht beschäftigt und seine Arbeiten nur mit handelsüblichen Materialien durchgeführt. Nachdem Flavin die Konzepte des abstrakten Expressionismus aufgegeben hatte, begann er, solche Geräte zu verwenden und führte sie dann in die Welt der hohen Kunst ein. Auf den ersten Blick scheint die Arbeit so einfach wie möglich zu sein, doch wenn man genau hinschaut, erkennt man eine tiefe Raffinesse der Arbeit.
Flavins Werke gehen durch das Lichtspiel und die Vielfalt der Farbpaletten über den Raum hinaus, in dem sie sich befinden. Die Objekte lassen den Betrachter im warmen Licht der LEDs baden und schaffen so eine besondere Atmosphäre.
Eva Hesse, "Ein namenloses Werk (Seilstücke)" (1970)
Eva Hesse wurde in Deutschland geboren. Heute kennen wir sie als innovative amerikanische Bildhauerin im Umgang mit Latex, Fiberglas und Kunststoff. Sie legte den Grundstein für die Entwicklung des Postminimalismus in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts. Der Autor untersuchte die Eigenschaften der einfachsten Materialien für die Verwendung in Illustrationen für vieles mehr.
"The Nameless Work (Pieces of Rope)" entstand 1970, als Hesse bereits am Rande des Todes stand, und wurde mit Hilfe ihrer Kameraden vollendet. Das Exponat besteht aus Latex, das über Seil, Angelschnur und Draht gespannt und von der Decke hängt. Es simuliert ein verworrenes Muster im Raum. Hesse hat sich von der traditionellen Schlichtheit des Minimalismus entfernt, ihre Präsentationsweisen werden jedoch innerhalb des Genres wahrgenommen.
Donald Judd, Job ohne Titel (1980)
Donald Judd bestreitet vehement seine Verbindung zum Minimalismus. Trotzdem ist er einer der Gründungsväter. In den frühen 60er Jahren des 20. Jahrhunderts entdeckte der Autor eine gewisse Feindseligkeit gegenüber europäischen künstlerischen Werten, so dass er sich von der Arbeit eines Bildhauers entfernte und begann, Werke zu schaffen, die sich keinem der oben genannten Kunstsparten zuordnen ließen. Seine Arbeiten wurden auch bei Major Structures in New York ausgestellt.
In den 1980er Jahren begann Judd, hängende, vertikale Regale zu kreieren. Ein Beispiel dafür ist "Werk ohne Titel" (1980). Der Malerei ist diese Art von Arbeiten bisher nicht zuzuordnen. Keine Skulptur. die arbeit besteht aus 2 arten von material: aluminium und plexiglas. Dies geschieht, damit der Betrachter über die Widersprüchlichkeit der Kunst nachdenkt: Die undurchsichtigen und obsessiven Figuren von der Seite sind mit den Tiefen des davor liegenden Raumes verbunden.
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