25 Kunstwerke, die die Moderne definieren

Drei Künstler und ein paar Kuratoren kamen zusammen, um zu versuchen, eine Liste der wichtigsten Werke der Epoche zusammenzustellen. Hier ist ihr Gespräch.

Kürzlich, im Juni, brachte das T-Magazin zwei Kuratoren und drei Künstler zusammen -David Breslin , Direktor der Sammlungen des Whitney Museum of American Art; Amerikanischer KonzeptkünstlerMartha Rösler ; Kelly Thaxter , Kurator für zeitgenössische Kunst am Jüdischen Museum; Thailändischer KonzeptkünstlerRirkrit Tiravanija ; und amerikanischer KünstlerTori Thornton– im Gebäude der New York Times, um zu diskutieren, was ihrer Ansicht nach die 25 Kunstwerke nach 1970 sind, die die Moderne definieren, von jedem und überall. Die Aufgabenstellung war bewusst weit gefasst: Was könnte man „modern“ nennen? War es ein Kunstwerk, das eine persönliche Bedeutung hatte, oder wurde seine Bedeutung allgemein verstanden? Wurde dieser Einfluss von Kritikern allgemein anerkannt? Oder Museen? Oder andere Künstler? Zunächst wurde jeder der Teilnehmer gebeten, 10 Kunstwerke zu nominieren. Die Idee war, dass jeder dann jede Liste bewerten würde, um eine Masterliste zu erstellen, die bei dem Treffen besprochen werden soll.

Kein Wunder, dass das System zusammenbrach. Einige argumentierten, dass es unmöglich sei, die Kunst zu schätzen. Es war auch unmöglich, nur 10 auszuwählen. (Rosler widersprach tatsächlich der ganzen Prämisse, obwohl sie ihre Liste am Ende zur Diskussion stellte.) Und doch gab es zu jedermanns Überraschung eine erhebliche Überschneidung: die Arbeit von David Hammons, Dara Birnbaum, Felix Gonzalez-Torres, Dan Waugh, Kady Noland, Kara Walker, Mike Kelly, Barbara Kruger und Arthur Jafa wurden mehrfach zitiert. Vielleicht ist die Gruppe auf irgendeine Art von Vereinbarung gestoßen? Spiegeln ihre Entscheidungen unsere Werte, Prioritäten und unsere gemeinsame Vision davon wider, was heute wichtig ist? Erlaubt die Fokussierung auf Kunstwerke und nicht auf Künstler einen anderen Rahmen?

1. Sturtevant, "Blumen von Warhol", 1964-71

Warhol Flowers von Sturtevant (1969–70). Bildnachweis © Estate Sturtevant, zur Verfügung gestellt von Galerie Thaddaeus Ropac, London, Paris, Salzburg

Elaine Sturtevant (geb. 1924 in Lakewood, Ohio; gest. 2014), die beruflich unter ihrem Nachnamen bekannt ist, begann 1964 damit, die Werke anderer Künstler zu „replizieren“, mehr als ein Jahrzehnt, bevor Richard Prince seine erste Marlboro-Werbung und Sherry Levine fotografierte eignete sich das Abbild von Edward Weston an. Ihre Ziele waren in der Regel bekannte männliche Künstler (hauptsächlich, weil die Arbeit von Frauen weniger anerkannt war). Während ihrer Karriere imitierte sie unter anderem die Leinwände von Frank Stella, James Rosenquist und Roy Lichtenstein. Angesichts seines eigenen gewagten Verständnisses von Urheberschaft und Originalität überrascht es vielleicht nicht, dass Andy Warhollow das Sturtevant-Projekt übernahm und ihr sogar einen seiner Flowers-Bildschirme lieh. Andere Künstler, darunter Claes Oldenburg, waren nicht überrascht, und Sammler schreckten weitgehend davor zurück, die Stücke zu kaufen. Allmählich jedoch verstand die Kunstwelt ihre konzeptionellen Gründe für das Kopieren kanonischer Werke: die großen modernistischen Mythen über Kreativität und den Künstler als einsames Genie umzukehren. Indem er sich auf die Pop-Art konzentrierte, die selbst ein Kommentar zur Massenproduktion und der verdächtigen Natur der Authentizität ist, führte Sturtevant das Genre zu seiner vollen logischen Erweiterung. Verspielt und subversiv, irgendwo zwischen Parodie und Hommage, knüpfen ihre Bemühungen auch an die jahrhundertealte Tradition an, dass junge Künstler alte Meister kopieren.

2. Marcel Brodtaers, Museum of Modern Art, Abteilung Aigle, 1968-1972

1969 forderte die Guerilla Art Action Group, eine Koalition von Kulturschaffenden, den Rücktritt der Rockefellers aus dem Vorstand des Museum of Modern Art, da sie glaubten, dass die Familie an der Produktion von Waffen (chemisches Gas und Napalm) beteiligt war für Vietnam. Ein Jahr später nahm Hans Haacke (geb. Köln, Deutschland, 1936) den Kampf im Inneren des Museums auf. Seine ursprüngliche MoMA-Poll-Installation präsentierte den Teilnehmern zwei transparente Wahlurnen, einen Stimmzettel und ein Schild, das die Frage nach dem bevorstehenden Gouverneurswahlkampf aufwarf: „Wird die Tatsache, dass Gouverneur Rockefeller die Politik von Präsident Nixon in Indochina nicht verurteilt hat, dazu führen, dass Sie nicht gewählt haben? für ihn im November? (Bis zum Ende der Ausstellung hatten etwa doppelt so viele Aussteller mit „Ja“ als mit „Nein“ geantwortet.) Die MMA zensierte die Arbeit nicht, aber nicht alle Institutionen waren so tolerant. 1971, nur drei Wochen vor der Eröffnung, wurde das Guggenheim Museum für die erste große internationale Einzelausstellung eines deutschen Künstlers abgesagt, ohne dass er drei provokative Stücke verfilmt hätte. Im selben Jahr weigerte sich das Wallraf-Richard-Museum in Köln, das Manet-Projekt '74 auszustellen, das die Ursprünge eines Gemäldes von Édouard Manet untersuchte, das diesem Museum von Nazi-Sympathisanten gestiftet worden war.

Thessalien La Force: Hier gibt es eine Arbeit, die sich wirklich mit der Einrichtung des Museums befasst. Rirkrit, Sie haben die Arbeit von Marcel Broadtaers aufgelistet.

Rirkrit Tiravania: Dies ist der Beginn der Zerstörung – zumindest für mich – der Institution. Am Anfang steht für mich in der westlichen Kunst die Frage nach dieser Art der Anhäufung von Wissen. Ich mag Hans Haacke, der auch auf dieser Liste steht. Definitiv auf meiner Liste, aber ich habe es nicht abgelegt.

Martha Rösler: Ich habe es fallen gelassen. Hans zeigte dem Publikum, dass dies Teil des Systems ist. Indem er ihre Meinungen und Informationen darüber sammelte, wer sie waren, konnte er sich ein Bild machen. Ich dachte, es wäre transformativ und aufregend für jeden, der daran interessiert ist, darüber nachzudenkenWer so eine Welt der Kunst. Auch, weil es komplett datengetrieben und nicht ästhetisch ansprechend war. Es war eine revolutionäre Idee, dass die Kunstwelt selbst nicht jenseits der Frage stand: Wer sind wir? Es gab den Menschen viel Raum, um systematisch über Dinge nachzudenken, die die Kunstwelt konsequent abgelehnt hat, als systematische Probleme anzuerkennen.

4. Philip Guston, Ohne Titel (Armer Richard), 1971

Richard Nixon wurde 1971 wiedergewählt, als Philip Guston (geb. 1913 in Montreal; gest. 1980) eine verblüffende, obskure Serie von fast 80 Cartoons schuf, die den Aufstieg eines Präsidenten zur Macht und eine verheerende Amtszeit darstellten.In Gustons dünnen Strichzeichnungen sehen wir Nixon mit phallischer Nase und Hodenwangen, wie er auf Key Biscayne segelt und mit karikierten Politikern, darunter Henry Kissinger als Brille, Außenpolitik in China macht; Der Hund des Präsidenten, Checkers, macht auch Kameen. Guston fängt Nixons Bitterkeit und Unaufrichtigkeit ein und entwirft eine ergreifende Meditation über den Missbrauch von Macht. Trotz ihrer anhaltenden Relevanz schmachtete die Serie über 20 Jahre nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1980 in Gustons Atelier; 2001 wurde es schließlich ausgestellt und veröffentlicht. Die neusten Zeichnungen wurden 2017 auf der Hauser & Wirth Ausstellung in London gezeigt.

TLF: Kommen wir zurück zu meiner großen Frage: Was meinen wir mit dem Wort „zeitgenössisch“? Will sich das jemand antun?

RT: Ich denke, Philip Gustons Nixon-Zeichnungsserie ist völlig modern geworden, weil sie -

Thorey Thornton: eine Art Spiegel.

RT: Es ist, als würde man über das sprechen, was wir heute sehen.

TLF: Nun, ich habe auch die gleiche Frage. Können sich manche Kunstwerke im Laufe der Zeit verändern? Einige stecken in Bernstein und bleiben ein Spiegel dieses besonderen Moments? Was Sie beschreiben, ist ein aktuelles Ereignis, das die Bedeutung von Gustons Gemälden und Zeichnungen verändert.

Kelly Thaxter: Ich denke, es wird definitiv passieren.

HERR: Es geht um die Institution. Als Sie Gustons Stück erwähnt haben, das großartig ist, dachte ich: „Ja, aber es gibt mindestens zwei Videos derselben Sache.“ Was ist mit „TV Gets People“ [Richard Serra und Carlotas Kurzfilm The Schoolboy von 1973]? Ich denke auch an „Four More Years“ (Dokumentarfilm über die Republican National Convention von 1972), der im Fernsehen ausgestrahlt wurde, über Nixon, und „The Eternal Frame“ [eine satirische Nachbildung des JFK-Attentats von 1975 durch Ant Farm und TR Uthco] , über Kennedy.

TLF: Es gibt nicht viele Gemälde in den Listen.

CT: Nein. Beeindruckend. Ich habe es erst zwei Tage später gemerkt. Ich liebe es zu zeichnen, es ist nur nicht hier.

TLF: Ist Malen nicht Torey, bist du ein zeitgenössischer Künstler?

TT: es ist alt. Ich weiß nicht. Ich habe versucht, mir anzusehen, welche Arten von Malerei entstanden sind, und dann zu sehen, wer damit begonnen hat.

RT: Ich habe Guston in meine Liste aufgenommen.

David Breslin: Auf meiner längeren Liste stand Gerhard Richters Zyklus Baader-Meinhof [eine Serie von Gemälden mit dem Titel "18. Oktober 1977", die Richter 1988 auf der Grundlage von Fotografien von Mitgliedern der Roten Armee Fraktion schuf, einer deutschen linken militanten Gruppe, die während des 1970er Jahre Bombenanschläge, Entführungen und Morde verübt]. Dies spricht für die Geschichte der gegenkulturellen Bildung. Zum Beispiel, wenn jemand beschließt, nicht friedlich zu demonstrieren, was die Alternativen sind. Wie in vielerlei Hinsicht einige dieser Dinge erst etwa ein Jahrzehnt später niedergeschrieben oder gedacht werden konnten. Wie kann man also zu gegebener Zeit und dann zu einem späteren Zeitpunkt an bestimmte Momente gemeinsamen Handelns denken?

CT: Ich dachte an all die Malerinnen. Ich dachte an Jacqueline Humphreys, Charlene von Hale, Amy Silman, Laura Owens. Frauen übernehmen die sehr schwierige Aufgabe der Abstraktion und geben ihr einen Sinn. Für mich sieht es so aus, als hätten die Frauen einer wichtigen Landschaft eine ernsthafte Wette abgeschlossen. Vielleicht verdienen ein oder zwei dieser Leute es, auf dieser Liste zu stehen, aber aus irgendeinem Grund habe ich sie nicht aufgenommen.

DB: Das ist das Problem der Arbeitstätigkeit im Vergleich zur Person.

CT: Aber ich werde ein Bild von Charlene auswählen? Ich kann nicht. Ich habe gerade diese Ausstellung im Hirshhorn Museum in Washington gesehen, und jedes Gemälde der letzten 10 Jahregut . Ist einer besser als der andere? Es ist diese Praxis und dieser Diskurs über Abstraktion – und was Frauen damit machen – die ich für den Schlüssel halte.

5. Judy Chicago, Miriam Shapiro und das feministische Kunstprogramm CalArts, „Womanhouse“, 1972

Womanhouse dauerte nur einen Monat, und nur wenige greifbare Spuren des bahnbrechenden Kunstprojekts – eine raumgroße Installation in einer verlassenen Hollywood-Villa – sind erhalten. Das von der Kunsthistorikerin Paula Harper konzipierte und von Judy Chicago (geb. Chicago, 1939) und Miriam Shapiro (f. Toronto, 1923; gest. 2015) geleitete Projekt brachte Studentinnen und Künstlerinnen zusammen, die einige der ersten feministischen Performances inszenierten und schuf Malerei, Kunsthandwerk und Skulptur in einem radikalen Kontext. Künstler und Studenten arbeiteten viele Stunden ohne fließendes Wasser oder Heizung und renovierten das heruntergekommene Gebäude, um zahlreiche Installationen zu beherbergen und sechs Aufführungen zu zeigen. Chicagos „Menstruationsbad“ führte die Besucher zu einem Papierkorb, der mit Tampons überfüllt war, die so bemalt waren, dass sie aussahen, als wären sie in Blut getränkt. Faith Wilding häkelte irgendwo zwischen dem Kokon und der Jurte einen großen, spinnennetzartigen Unterstand aus Gräsern, Zweigen und Unkraut. Insgesamt schufen die Arbeiten ein neues Paradigma für Künstlerinnen, die sich für die Geschichte des kollektiven Lebens von Frauen und ihre Beziehung zu Familie, Geschlecht und Gender interessieren.

TLF: Interessant finde ich, dass hier alles reine Kunst ist. Niemand hat einen gekrümmten Ball geworfen.

CT: Ist "Womanhouse" eine Kunst? Ich weiß nicht.

HERR: Was ist das, wenn nicht Kunst?

CT: Nun, so wie es früher war. Es kam aus der Kunstschule. Es war vergänglich. Es war ein Ort, der kam und ging.

HERR: Es war ein Ausstellungsraum. Es wurde zu einem kollektiven Setting.

CT: Aber dann verschwand alles und bis vor kurzem gab es nur sehr wenige Dokumentationen ... Ich denke, es ist Kunst. Ich habe es dort hingelegt. Es ist natürlich institutionalisiert.

6. Linda Benglis, Artforum-Werbung, 1974

Linda Benglis (geb. 1941 in Lake Charles, Ärmelkanal) wollte, dass das Profil, das Artforum 1974 von ihr schrieb, von einem nackten Selbstporträt begleitet wurde. John Coplans, der damalige Chefredakteur, lehnte ab. Unerschrocken überzeugte Benglis seine New Yorker Händlerin Paula Cooper, eine zweiseitige Anzeige in der Zeitschrift zu schalten (Benglis bezahlte dafür). Leser schlugen die Novemberausgabe von Artforum auf und sahen einen gebräunten Benglis, der mit erhobener Hüfte eine Pose einnahm und den Betrachter durch eine spitze, weiß umrandete Sonnenbrille ansah. Sie trägt nichts anderes und hält einen riesigen Dildo zwischen ihren Beinen. Das Bild verursachte Chaos. Fünf Redakteure – Rosalind Krauss, Max Kozlov, Lawrence Alloway, Joseph Mashek und Annette Michelson – schrieben einen grausamen Brief an das Magazin, in dem sie die Anzeige als „eine schäbige Verhöhnung der Ziele [der Frauenbefreiung]“ denunzierten. Der Kritiker Robert Rosenblum schrieb einen Brief an das Magazin, in dem er Benglis dazu gratulierte, die Tapferkeit von Männern aufzudecken, die sich selbst als Schiedsrichter der Avantgarde betrachteten. zum Vorgeschmack: „Schenken wir Frau Benglis drei Dildos und eine Büchse der Pandora, die endlich die Söhne und Töchter der Gründerväter des Public Life Committee aus dem Schrank geholt hatKunstforum und die Etikette der Frauen. Die Anzeige wurde zu einem ikonischen Bild des Widerstands gegen Sexismus und Doppelmoral, die die Kunstwelt weiterhin durchdringen.

DB: Ich bin überrascht, dass niemand Cindy Sherman mit einbezogen hat. [Zwischen 1977 und 1980 machte Sherman eine Reihe von Schwarz-Weiß-Fotografien von ihr in verschiedenen stereotypen weiblichen Rollen mit dem Titel "Untitled Film Stills".]

CT: Ich hatte so eine harte Zeit damit. Es war eines dieser Dinge, die ich mochte: „Es wird auf den Listen anderer Leute stehen. Es ist so offensichtlich, dass ich es nicht auslassen werde.

TLF: niemand tat es.

RT: Nun, ich habe eine Artforum-Werbung von Linda Benglis, die später mit Fotografie zu tun hat.

HERR: Ich fand es wirklich gut.

CT: Ich wollte After Walker Evans von Sherry Levin inszenieren [1981 stellte Levin Reproduktionen von Fotografien aus der Zeit der Depression von Waler Evans aus, die sie nachdruckte und den Wert der Authentizität in Frage stellte], aber nicht, weil … ich weiß nicht warum, mir die Bilder ausgingen Das Zimmer in den 80er Jahren.

7. Gordon Matta-Clark, Splitting, 1974

Gordon Matta-Clark (geb. 1943 in New York; gest. 1978) studierte Architektur an der Cornell University.In den 1970er Jahren arbeitete er als Künstler, schnitzte Stücke aus leerstehenden Grundstücken, dokumentierte Hohlräume und stellte amputierte Architekturstücke aus. Zu dieser Zeit war es einfach, verlassene Gebäude zu finden – New York befand sich in einem Zustand der wirtschaftlichen Depression und Kriminalität. Matta-Clark suchte nach einem neuen Standort, als ihm die Kunsthändlerin Holly Solomon ein Haus in einem Vorort von New Jersey anbot, das abgerissen werden sollte. Splitting (1974) war eines von Matta-Clarks ersten monumentalen Werken. Mit der Hilfe von Handwerker Manfred Hecht und anderen Helfern schnitt Matta-Clark das Ganze mit einer elektrischen Säge in zwei Teile, bog dann eine Seite der Struktur, während sie die Betonblöcke darunter abschrägten, bevor sie sie langsam wieder absenkten. Das Haus teilte sich perfekt und hinterließ einen dünnen Spalt in der Mitte, durch den Sonnenlicht in die Räume eindringen konnte. Ein Teil wurde drei Monate später abgerissen, um Platz für neue Wohnungen zu machen. „Die Arbeit mit Gordon war immer interessant“, sagte Hecht einmal. "Es gab immer eine gute Chance, getötet zu werden."

TLF: Warum keine Landart?

RT: u Ich habe Gordon Matta-Clark.

HERR: Ist das Landart? "Spiral Jetty" [eine riesige Spirale aus Schlamm, Salz und Basalt, die 1970 am Roselle Point, Utah, vom amerikanischen Bildhauer Robert Smithson gebaut wurde] ist Erdkunst.

TT: Das ist Wahnsinn! Liegeplatz 100 Prozent sollte auf meiner Liste stehen.

KT: „Field of Lightning“ [ein Werk des amerikanischen Bildhauers Walter de Maria, das 1977 hergestellt wurde und 400 Edelstahlstangen umfasst, die in der Wüste von New Mexico aufgestellt wurden], „Roden Crater“ [des amerikanischen Nacktkünstlers James Turrell, der noch in der Entwicklung eines Augenobservatoriums in Northern Arizona.

TT: Ich dachte: „Wer kann das sehen? Was bedeutet "beeinflussen", was bedeutet "beeinflussen, um etwas auf dem Bildschirm zu sehen?". Ich dachte: "Werde ich auflisten, was ich gesehen habe und wovon ich besessen bin?" Reproduktion oder eine Art Theateraufführung.

HERR: Absolut.

TT: Ich habe eine Ausstellung von Michael Asher im Santa Monica Museum [Nr. 19, siehe unten], aber mit so etwas - wenn es weg ist, ist esnurReproduktion . Du kannst es nicht besuchen, es bewegt sich nirgendwo anders hin.

TLF: das sind die fragen, die sich die künstler der erde gestellt haben – sind das nicht mehr die fragen, die wir uns heute stellen?

TT: kein Land mehr.

HERR: Das ist eine wirklich interessante Frage. Vor allem weil wir in die Städte zogen, wurden wir von städtischen Traditionen besessen. Das Problem der Hirtenhaltung – das auch für Städte gilt, obwohl wir davon nichts wissen – ist in den Hintergrund getreten. Aber täusche ich mich, dass es Land Art auch in Europa gab? Es gab niederländische Künstler und englische Künstler.

RT: Ja, waren sie. Noch da.

HERR: Land Art war auf interessante Weise international, was mit der Blauen Murmel zusammenfiel [ein Bild der Erde, das 1972 vom Apollo-Earth-Team aufgenommen wurde].

TLF:Gesamtkatalog der Erde.

HERR: Bestimmt. Die Idee der ganzen Erde als Einheit, bestehend aus realen Dingen und nicht aus sozialem Raum.

RT: Vielleicht hängt es auch mit dieser Vorstellung von Eigentum und Reichtum zusammen. Der Wert des Bodens und seine Nutzung haben sich verändert. Früher konntest du einfach nach Montana gehen und wahrscheinlich -

HERR: Begrabe ein paar Cadillacs.

RT: - Grabe ein großes Loch. Ich meine, Michael Heizer macht immer noch Dinge, aber jetzt ist es nur noch das Interieur. Er macht einfach große Steine ​​im Weltraum. Andererseits ist Smithson gerade deshalb interessant, weil es jetzt fast wie No-Site ist [Smithson verwendete den Begriff „No-Site“, um Werke zu beschreiben, die außerhalb ihres ursprünglichen Kontexts präsentiert wurden, wie etwa Steine ​​aus einem Steinbruch in New Jersey , die in einer Galerie zusammen mit Fotos oder Sitemaps ihrer Herkunft angezeigt werden].

TLF: Warum haben Sie dann Gordon Matta-Clark aufgenommen?

RT: Es gibt viele Referenzen für mich, aber ich habe das Gefühl, dass "Trennung" alles andere beeinflusst, woran ich denke. Bei Separation ist es wie ein Comic-Ende. Außerdem hat sich die Idee des Hauses gespalten und was mit dem Haushalt passiert, ist, dass die Menschen an Thanksgiving nicht mehr zusammensitzen können.

8. Jenny Holzer, Truisms, 1977-79

Jenny Holzer (geb. 1950 in Gallipolis, Ohio) war 25 Jahre alt, als sie begann, ihre „Wahrheiten“ zusammenzustellen, über 250 rätselhafte Prinzipien, kurze Anweisungen und aufschlussreiche Beobachtungen. Aus der Weltliteratur und Philosophie stammend, sind einige der einseitigen Aussagen Sätze ("Jeder Exzess ist unmoralisch"), andere sind düster ("Ideale werden ab einem bestimmten Alter durch gewöhnliche Ziele ersetzt"), und einige werden mit halbwegs gebackene Plattitüden. gefunden in Glückskeksen ("Sie müssen eine große Leidenschaft haben"). Am resonantsten sind die politischen, nichts weiter als „Machtmissbrauch ist nicht überraschend“. Nachdem sie sie als Poster gedruckt hatte, die sie in ganz Midtown Manhattan zwischen tatsächliche Anzeigen klebte, reproduzierte Holzer sie auf Gegenständen, darunter Baseballmützen und T-Shirts. Hemden und Kondome. Sie projizierte sie 1982 auf eine riesige Spectacolor-LED-Tafel am Times Square. mit kleineren Scroll-Zeichen, um an die Digitaluhren und Bildschirme zu erinnern, durch die wir in städtischen Umgebungen ständig Informationen zuführen (und uns sagen, was wir denken sollen). Holzer verwendet The Truisms auch heute noch und integriert es in elektronische Beschilderungen, Bänke, Fußstützen und T-Shirts.

DB: Thessaly, als Sie vorhin gefragt haben, ob Trump im Raum ist, bin ich deshalb zu Jenny Holzer gegangen. In ihren ursprünglichen Iterationen waren „Wahrheiten“ Straßenplakate, die von Menschen aufgehängt wurden.

HERR: Aber sie waren nie Dinge in der Kunstwelt.

DB: Ich bin einverstanden. Sie zogen sich aus Whitneys unabhängigem Forschungsprogramm zurück. Aber ich denke, das ist es, wo die Arbeit eine so andere Resonanz bekommt. Die ursprüngliche Absicht war, dass diese Codes frei schwebend und natürlich unbewusst sind. Aber ich denke, dass jetzt die Idee, dass jemand diese Wahrheiten ständig sammelt, dass dies keine Liste von Unbewussten ist, in dieser Arbeit wirklich lebendig ist.

HERR: Dies ist eine interessante Hypothese. Der Grund, warum ich mich für Barbara Krueger[Nr. 11, siehe unten], stattdessen fand ich, dass sie mit dieser Art von Punk-Street-Poster einen interessanten Clash der Modewelt-Typografie hingelegt hat. Sie sagt tatsächlich, was die Leute klug sagen, aber in der Kunstwelt nie sagen: "Deine Augen fallen auf mein Gesicht." Oder allerlei feministisches Zeug: "Du erschaffst komplexe Rituale, die dir erlauben, die Haut anderer Männer zu berühren." Wer sagt solche Dinge? Wer erwartet, dass der Kapitalismus für das belohnt wird, was er nicht hören will? Als Barbara in die gehobene Galerie eintrat, war dies ein Strategiewechsel, da der Markt all diese widersprüchlichen Dinge zurückeroberte, von denen sie keine Ahnung hatten, was sie damit anfangen sollten. Endlich hat der Markt das verstanden. Lass es einfach den Künstler machen und wir sagen, es ist Kunst und das ist in Ordnung.

David Hammons (*1943 in Springfield, Illinois) studierte Kunst in Los Angeles am Otis Art Institute (heute Otis College of Art and Design) bei Charles White, einem Künstler, der für seine Darstellungen des afroamerikanischen Lebens gefeiert wurde. Hammons saugte einen weißen Sinn für soziale Gerechtigkeit auf, bemühte sich aber um radikales, unorthodoxes Material.Schon früh versuchte er, die Institutionalisierung der Kunst infrage zu stellen, indem er oft ephemere Installationen wie den „Bliz-aard Ball Sale“ schuf, bei dem er neben New Yorker Straßenhändlern und Obdachlosen Schneebälle unterschiedlicher Größe verkaufte, um auffälligen Konsum und leere Vorstellungen zu kritisieren von Wert. (Das Ethos des Stücks prägt weiterhin sein Engagement in der Kunstwelt; er arbeitet ohne exklusive Galerievertretung und gewährt selten Interviews.) 1988 schrieb er Rev. Jesse Jackson, einen afroamerikanischen Bürgerrechtler, der zweimal kandidierte Die Partei der Demokratischen Präsidentschaftskandidaten in Form eines blonden, blauäugigen Weißen. Eine Gruppe junger afroamerikanischer Männer, die zufällig vorbeikamen, als im folgenden Jahr in der Innenstadt von Washington, DC, gearbeitet wurde, nahm das Gemälde wahr rassistisch und zertrümmerte es mit einem Vorschlaghammer. (Jackson verstand die Absichten des Künstlers.) Die Zerstörung – und der kollektive Schmerz, den er repräsentierte – wurde Teil des Stücks. Wenn Hammons jetzt ein Gemälde ausstellt, stellt er einen Halbkreis aus Vorschlaghämmern darum herum auf.

KT: „Bliz-aard Ball Sale“ ist eine Performance mit Fotografien. Es ist Teil eines Vermächtnisses performativer, vergänglicher Werke, das mit dem Judson Dance Theatre [einer Tanzkompanie aus den 1960er Jahren, zu der unter anderem Robert Dunn, Yvonne Reiner und Trisha Brown gehörten) und Happenings [ein Begriff, der vom Künstler Allan Kaprow geprägt wurde, um ihn grob zu beschreiben] beginnt definierte Werke oder Aufführungsereignisse, die oft Publikum anzogen] der 1960er Jahre. Warum er bis zu einem gewissen Grad relevant bleibt, liegt daran, dass die meisten seiner Arbeiten irgendwie heimlich sind – sein Studio ist die Straße. Man kann sehr lange darüber reden, was er tut, ohne eine endgültige Antwort zu finden. Es folgt keiner geraden Linie und kann widersprüchlich sein – es trotzt den Erwartungen.

DB: Ein erheblicher Teil der Arbeit beginnt materiell am Ort des Widerspruchs oder an dem Ort, an dem sie ausgeführt oder ausgeführt wird. Ich wählte "Wie magst du mich jetzt?" Meistens wegen der Fähigkeit, die Arbeit falsch zu verstehen. In gewisser Weise ist dies der Punkt der Gefahr. Die Tatsache, dass eine Gruppe von Leuten Vorschlaghämmer zu ihm gebracht hat – warum haben einige Leute Jackson als Kandidaten nicht ernst genommen? Das Verwischen der Grenzen zwischen dem, was erwartet wird, und dem, was nicht erwartet wird, macht Hammons immer relevant.

HERR:Ich finde den Job sehr problematisch. Das bestimmt, warum wir über die Welt der Kunst sprechen. Diese Arbeit war anstößig, und doch verstehen wir es, etwas gegen seine offensichtliche Präsentation zu lesen. Es spricht Bände über uns als gebildete Menschen, und das ist einer der Gründe, warum wir es verteidigen. Ich liebe die Arbeit von Hammons. Aber ich fühlte mich immer sehr seltsam bei diesem Zeug, weil es nicht berücksichtigte, dass die Community beleidigt sein könnte. Oder es ist ihm egal. Weißt du, er ist ein Künstler. Es ist also die Kunstwelt, die mit der Kunstwelt über diese Arbeit spricht. Aber ich bin auch überrascht über sein problematisches Auftreten gerade in dem Moment, als sich die Öffentlichkeit gegen die öffentliche Kunst im Allgemeinen und die mysteriöse öffentliche Kunst im Besonderen wandte, was normalerweise abstrakt bedeutete. Aber es war noch schlimmer – es war nicht nur zum Lachen über das Publikum, sondern zum LachenBeton der Öffentlichkeit, auch wenn es nicht seine Absicht war.

Barbara Krueger (geb. 1945 in Newark) besuchte 1965 kurz die Parsons School of Design, aber ihre wirkliche Ausbildung lag in der Welt der Zeitschriften. Sie hörte früh auf, als stellvertretende Art Director für Mademoiselle zu arbeiten, wurde schnell Chefdesignerin und wechselte dann zur freiberuflichen Gestaltung von Layouts für House & Garden., Vogue und Aperture, neben anderen Veröffentlichungen. Durch diese Projekte lernte Kruger, wie man die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zieht und das Verlangen manipuliert. Als aufmerksame Leserin von Roland Barthes und anderen Theoretikern, die sich auf Medien, Kultur und die Macht der Bilder konzentrierten, verschmolz Krueger Anfang der 1980er Jahre ihr Berufsleben und ihre philosophischen Ansichten mit ihrem bahnbrechenden Werk: Agitprop-Darstellungen kurzer, satirischer Slogans in Futura-Weiß oder -Schwarz . Fetter Schrägstrich auf beschnittenen Bildern, hauptsächlich aus alten Zeitschriften. Sie lehnen Geschlechterrollen und Sexualität, Konzerngier und Religion ab. Einige der bekanntesten Verbrauchervorwürfe, darunter „Ohne Titel“ von 1985 (wenn ich das Wort „Kultur“ höre, zücke ich mein Scheckbuch“), bei dem die Worte einer Bauchrednerpuppe ins Gesicht schlagen, und „Ohne Titel (ich kaufe deshalb ein I)" seit 1987.

12. Nan Goldin, Die Ballade der Sexsucht, 1985–86.

Als Nan Goldin (*1953 in Washington, D.C.) 1979 nach New York zog, mietete sie ein Loft in der Bowery und begann mit einer der einflussreichsten Fotoserien des Jahrhunderts. Ihre Themen waren sie, ihre Liebhaber und ihre Freunde – Transvestiten, Drogenabhängige, Flüchtlinge und Künstler. Wir sehen sie kämpfen, sich schminken, Sex haben, sich schminken, fotografieren und auf mehreren hundert expliziten Bildern nicken, darunter „The Ballad of Sex Addiction“. Goldin teilte zunächst Fotos als Diashows in Clubs und Bars in der Innenstadt, teilweise aus Notwendigkeit (ihr fehlte eine Dunkelkammer zum Drucken, aber sie konnte Dias in einer Apotheke verarbeiten), teilweise weil diese Orte Teil der fotografischen Welt waren. Kulthelden und Nachbarschaftsstars wie Keith Haring, Andy Warhol und John Water tauchen in einigen Einstellungen auf, aber der Fokus liegt auf Goldins Lieben, einschließlich ihres leidenschaftlichen Freundes Brian, der sie eines Nachts fast blind schlug: „Nan a month after the beating“ (1984) ist einer der aufdringlichsten. Porträts in der Serie. Goldin bearbeitete und rekonfigurierte die Serie mehrmals, benannte sie schließlich nach einem Lied in Bertolt Brechts Trihedral Opera und stellte sie auf eine Playlist, die James Brown, The Velvet Underground, Diona Warwick, Oper, Rock und Blues enthielt. Eine Version erschien 1985 auf der Whitney Biennale, und die Aperture Foundation veröffentlichte 1986 eine Auswahl von 127 Bildern in Buchform, die einige von Goldins sehr ehrlichen Texten enthält. Zehn Jahre später sind die meisten der im Buch abgebildeten Menschen an AIDS oder einer Überdosis Drogen gestorben. Bei einer kürzlichen Ausstellung im New Yorker Museum of Modern Art stellte Goldin eine Serie von fast 700 Fotografien fertig, die auf diesen Verlust hinweisen – eine Aufnahme von zwei Graffiti-Skeletten, die Sex haben.

KT:Nan Goldin spielt weiterhin eine sehr herausragende Rolle im Diskurs, sei es über die Kunst selbst, was sie tut, oder die Probleme, mit denen wir in der Kunstkultur und darüber hinaus konfrontiert sind. Diese Sammlung von Werken machte ein ganzes Reich sichtbar, eine ganze Gesellschaftsstruktur, eine ganze Gruppe von Menschen, die in vielerlei Hinsicht unsichtbar waren. Es sprach von der AIDS-Krise. Es sprach von einer fremden Kultur. Es sprach von ihrem Missbrauch. Es war wie ein Geständnis, das Dinge offenlegte, die immer noch aktuell sind.

HERR: Es enthält das Wort „sexy“. Willst du ein bisschen darüber reden?

CT: Es hat viel mit ihrer Beziehung zu Sex und Liebe zu tun, mit der Beziehung ihrer Freunde zu Sex und Liebe und damit, das aufzulösen. Es hat viel Schmutz und Erniedrigung, und doch hat es auch viel Feiern, denke ich: die Gelegenheit, das, was als schmutzig oder falsch angesehen werden kann, als richtig zu sehen. Ich habe das gesehen, als ich ein Kind war. Ihre Drucke sind superschön, aber manchmal sind sie nur Momentaufnahmen der Freiheit der Arbeit selbst, der Freiheit, die sie mitgenommen hat.

13. Cady Noland, Oozewald, 1989; "Große Rutsche", 1989

Die Arbeit von Cady Noland (geb. 1956 in Washington, DC) erkundet die dunklen Ecken der amerikanischen Kultur.Viele ihrer Installationen, darunter Big Slide (1989), enthalten Geländer oder Barrieren – Anspielungen auf die Beschränkungen des Zugangs, der Möglichkeiten und der Freiheit in diesem Land. (Um Nolands Debütausstellung in der New Yorker White Column Gallery im Jahr 1988 zu betreten, mussten die Besucher unter einen Metallpfosten tauchen, der eine Tür blockierte.) „Usewald“ zeigt eine Seidenversion des berühmten Fotos von Lee Harvey Oswald, dem Attentäter von Präsident John F. Kennedy , weil er von Nachtclubbesitzer Jack Ruby erschossen wurde. Acht überdimensionale Einschusslöcher durchbohren die Oberfläche – in einem davon, wo sein Mund wäre, prangt eine amerikanische Flagge. Noland verschwand um das Jahr 2000 aus der Kunstwelt, ein Schritt, der für ihr Werk ebenso wichtig geworden ist wie ihre Arbeit. Obwohl sie Galerien und Museen nicht daran hindern kann, alte Stücke auszustellen, erscheinen oft Haftungsausschlüsse an den Wänden der Ausstellung, die auf die fehlende Zustimmung des Künstlers hinweisen. In früheren Zeiten lehnte Noland einige der Stücke vollständig ab und erregte den Markt. Sie ist in der Kunstwelt als Boogman bekannt geworden, aber sie ist vielleicht ihr Gewissen.

TT: ja Es ist mir passiert, als ich Jahre später, als ich viel über den Künstler nachdachte, zu sehen begann, wie sie andere Künstler beeinflussten. Mir wurde klar, dass Cady Noland so seltsam istüberall, überallhin, allerorts . Vor allem im Bereich der Installationskunst und Skulptur. Ich habe in letzter Zeit viele Arbeiten gesehen, die wirklich auf dem aufzubauen scheinen, was sie getan hat. Manchmal wird etwas zu einer bestimmten Zeit erledigt, und dann kommt es zurück und ist wieder relevant. Es gibt eine allumfassende Kritik oder Analyse von Americana in ihrer Arbeit. Ihr Name ist zurück und es ist herum und herum und herum.

HERR: Funktioniert die Kunstwelt nicht immer so? Alle hassten Warhol. Auchnach Gehen,wie Er wurde berühmt, die Kunstwelt sagte: "Nein." Deshalb haben wir Minimalismus.

CT: Ich denke, Cady nimmt auch den Platz des Widerstands ein. Ich denke, Cadys Charakter – und ihr stoischer Charakter und ihre Herangehensweise an ihre Arbeit – ist Teil der Mythenbildung ihrer Praxis. Sie ist die schwer fassbare Figur von Hammons. Sie spricht nicht über die Arbeit.Alles der Rest sind.

DB: Ein Großteil der Arbeit dreht sich um Verschwörung und Paranoia, die zu „im Moment“ zu sein scheint. Diese Dinge, die diesen unmittelbaren Bann auslösen, wie die Erschießung der Oswald-Figur oder Clinton und der Whitewater-Fall, den sie bearbeitet, nur ein schnelles Bild der Figur und eine Zeile aus einem Zeitungsartikel. Es ist ihre Fähigkeit, Informationen zu sortieren, um diesen paranoiden Trend in der amerikanischen Kultur zu erreichen. Zu Ihrem Punkt, Kelly, als sie auftauchte, war es durch Klagen.

HERR: Wirklich?

DB: Ja, sie verklagt Leute wegen der Art und Weise, wie sie sie behandeln. Das ist reine Spekulation meinerseits, aber selbst wenn man darüber nachdenktDies als Kommunikationsmittel - dass, wenn es in der Öffentlichkeit funktionieren soll, es durch das Rechtssystem gehen wird - sehen Sie, sogar jetzt plane ich es!

CT: Du bist paranoid!

DB: Ich denke, das sind wir alle.

Jeff Koons (geb. 1955 in York, Pennsylvania) wurde Mitte der 1980er Jahre bekannt, indem er Konzeptskulpturen aus Staubsaugern und Basketbällen schuf. Als ihn das Whitney Museum of American Art einlud, für eine Ausstellung mit dem Titel „Picture World“ ein plakatgroßes Stück zu schaffen, präsentierte der postmoderne Provokateur ein zerrissenes, körniges Leinwandfoto von sich und Ilona Staller – einem ungarischen italienischen Pornostar, den er später heiratete – in einer campy Geschlechtsverkehr Ekstase, Massenfilmwerbung. Eine Folgeserie, Made in Heaven, schockierte das Publikum, als sie 1990 auf der Biennale in Venedig debütierte. Mit aussagekräftigen Titeln wie "Ilona's Butt" und "Dirty Ejaculation" zeigten die fotorealistischen Gemälde das Paar in allen erdenklichen Positionen. Sie kamen zu einer Zeit, als das Land über Kunstanstand gespalten war, als sich religiöse und konservative Kräfte gegen sexuell explizite Werke zusammenschlossen. Koons argumentierte, dass es eine Erforschung der Freiheit sei, eine Erforschung der Ursprünge der Scham, eine Feier des Akts der Reproduktion, sogar eine Vision der Transzendenz. "Ich interessiere mich nicht für Pornographie", sagte er 1990. "Ich interessiere mich für das Spirituelle." Koons zerstörte einen Teil der Serie während eines langwierigen Sorgerechtsstreits mit Staller für ihren Sohn Ludwig.

TLF: Geld bestimmt auch die Welt der Kunst. Es gibt einige Künstler, die dies widerspiegeln, aber niemand hat sie benannt.

KT: Ich fand es super interessant, dass wir uns nicht alle darauf eingelassen haben. Es gibt viele verschiedene Kunstwelten. Der, auf den Sie sich beziehen, ist einer von ihnen.

HERR: Was ist Ihr Argument dafür, nicht mehr kommerzielle Künstler auf die Liste zu setzen?

CT: Meiner Meinung nach, weil Kunst viel mehr ist. Künstler, die sich auf diesem Niveau befinden, machen einen so kleinen Prozentsatz der geschaffenen Kunst aus. Ich bin nicht mit diesem Job aufgewachsen.

TT: Ich denke, es gibt derzeit viele junge Künstler, die unbewusst oder stillschweigend versuchen, einen Weg zu finden, um zu sagen: „Oh, ich bin wirklich daran interessiert, diese Art von Studio zu produzieren, aber ich möchte auch strenger und praktischer damit umgehen meine Praxis." Oder vielleicht sind sie heimlich von Jeff Koons besessen, aber das werden sie niemals in einem Interview mit der New York Times sagen. Ich werde keine Namen nennen, aber ich habe genug gehört, um zu sagen: "Das ist echt."

HERR: Können Sie ein oder zwei Künstler nennen, über die Sie sprechen?

TLF: Namen Namen.

TT: Ist Damien Hirst ein Vorbild?

TLF: Damien Hirst, Takashi Murakami...

CT: Ja, wir haben uns für Jeff Koons entschieden. Wir entschieden uns für Damien Hirst.

HERR: Wir haben getan.

TT: Ich habe Jeff mitgebracht.

CT: Ich denke, sie sind vorhanden. Ich möchte, dass sich das Gespräch auf einige andere Künstler bezieht. Ich könnte Damien reinstecken.

HERR: Meiner Meinung nach ein legitimerer Künstler als Jeff Koons. Aber das bin nur ich, sorry.

TLF: Nun, mit wem würden Sie gerne sprechen, wenn wir könnten?

KT: Ich würde „Equilibrium“ [eine Reihe von Werken Mitte der 1980er Jahre, in denen Basketbälle in Tanks mit destilliertem Wasser hängen] auswählen, wenn es Jeff Koons wäre. Wenn es Damien Hirst wäre, hätte ich „The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Alive“ geschrieben [ein Fragment von 1991, das aus einem Tigerhai besteht, der in Formaldehyd in einer Vitrine aufbewahrt wird]. Ich denke, es ist eine wirklich gute Sache, die die Künstler auf dieser Liste beeinflusst hat, genau wie „Equilibrium“. Vielleicht sollten sie auf der Liste stehen. Vielleicht sind wir unaufrichtig. Dem stimme ich voll und ganz zu. Sie stehen auf meiner langen Liste. Ich habe sie einfach abgenommen. Um ehrlich zu sein, wollte ich über einige andere Leute und einige andere Frauen sprechen.

TT: Ich kann Dich hören. Ich bin damit einverstanden.

15. Mike Kelly, Arenen, 1990

Nachdem er als Teenager begann, in der Musikszene von Detroit zu spielen, zog Mike Kelly (* 1954 in Wayne, Michigan; † 2012) nach Los Angeles, um an der CalArts teilzunehmen. In jeder der 11 Arenen, die ursprünglich 1990 in der Metro Pictures Gallery ausgestellt wurden, sitzen ausgestopfte Tiere und andere Spielzeuge einzeln oder in gruseligen Gruppen auf schmutzigen Decken. In einem wird ein handgefertigter Hase mit einem kaputten Pom-Pom-Schwanz auf einem gestrickten Afghanen vor einem offenen Thesaurus platziert und untersucht offenbar den Eingang „freiwillig“, während zwei Dosen Reid in der Ferne drohen. In einem anderen liegt ein ausgestopfter Leopard unter einem schwarz-orangefarbenen Schleier auf einem ominösen Wattebausch. Die Arbeiten vereinen Themen wie Perversion, Scham, Angst, Verletzlichkeit und Pathos. Kelly benutzte die Spielzeuge, weil er das Gefühl hatte, dass sie viel mehr darüber aussagten, wie Erwachsene Kinder sehen – oder sehen wollen – als über Kinder. „Die Vogelscheuche ist ein Pseudokind“, „eine verführte geschlechtslose Kreatur, die das ideale Modell eines erwachsenen Kindes ist – ein kastriertes Haustier“, schrieb er einmal. Aber die Spielzeuge in Kellys Arrangements sind verblasst, schmutzig, schmutzig und abgenutzt.

KT: Ich denke, viele Arbeiten von Mike Kelly drehen sich um Unterricht und Gewalt und andere Dinge, über die Kinder, zumindest wenn sie Teenager sind, anfangen zu reden und darüber nachzudenken. Diese Reihe von Werken war so widerlich. Es hat Schichten von Offenbarungen, die für mich persönlich entscheidend waren, und als ich älter wurde, wurde mir klar, dass es eine größere Wirkung hatte. Und ich sehe es heute in der Arbeit einiger junger Künstler.

Felix Gonzalez-Torres (geb. 1957 in Kuba; gest. 1996) kam 1979 nach New York. Als er 1991 Untitled (Portrait of Ross in Los Angeles) schuf, trauerte er um seinen Geliebten Ross Laycock. die in diesem Jahr an einer AIDS-bedingten Krankheit starben. Die Installation enthält idealerweise 175 Pfund Süßigkeiten, die in helles Zellophan eingewickelt sind, was ungefähr dem Körpergewicht eines gesunden erwachsenen Mannes entspricht. Dem Betrachter steht es frei, Stücke aus dem Stapel zu nehmen, und im Laufe der Ausstellung verfällt das Werk ebenso wie Laycocks Körper. Süßigkeiten können jedoch regelmäßig vom Personal aufgefüllt werden oder nicht, was zur gleichen Zeit, zu der sie Sterblichkeit verursachen, Ewigkeit und Wiedergeburt verursacht.

DB: Die Arbeit berührt, wo wir heute sind, sie ist eine Repräsentation von Partizipation und Erfahrung. Gonzalez-Torres spricht auch von Verantwortung, dass mit der Übernahme Verantwortung einhergeht. Die Idee, dass eine Person als ideales Körpergewicht erwähnt wird, dass das Element der Teilnahme nicht nur eine allgemeine Masse ist, der Bezugspunkt nur eine andere Person ist, denke ich, ist sehr tief.

RT: Ich dachte an Aids. Ich habe das Act Up-Logo fast als Artefakt hingestellt. Wir müssen über Kunstwerke sprechen, die mehr sind als nur Kunst, und all diese anderen Bedingungen berühren. Ich finde es in diesem Sinne sehr schön.

CT: Dieses Werk ist im übertragenen Sinne ein Virus. Es löst sich auf und geht in die Körper anderer Menschen über.

RT: Ich weiß nicht einmal, ob das Publikum wirklich versteht. Es ist eine Sache. Sie nehmen nur Süßigkeiten.

TLF: Ich dachte natürlich nur, ich nehme Süßigkeiten.

DB: Es gibt auch die Idee des Nachschubs. Er kehrt am nächsten Tag zurück. Die Verpflichtung zur Wiederherstellung unterscheidet sich so sehr von der Verpflichtung zum Erhalt. Der Mensch überlebt. Die Anlage füllt sich. Sie könnten eines Tages weggehen und nicht wissen, dass es zu seiner eigenen Form zurückkehrt. Diese Vorstellung, wer weiß und wer nicht, finde ich wichtig für sie.

Katherine Opie (geb. 1961 in Sandusky, Ohio) wendet auf ihrem Foto „Self-portrait/Cutting“ den Blick vom Betrachter ab und konfrontiert uns mit ihrem nackten Rücken, um ein Haus – eine Ansicht, die ein Kind malen könnte – und zwei Stöcke zu zeichnen. Figuren in Röcken wurden geschnitzt. Die Figuren halten Händchen und vervollständigen einen idyllischen Wohntraum, der damals nur ein Traum für lesbische Paare war. Diese Arbeit und andere reagierten auf den nationalen Feuersturm über „Obszönität“ in der Kunst. 1989 verurteilten die Senatoren Alphonse d'Amato und Jesse Helms "The Pissing Christ", ein Foto eines in Andrés Serranos Urin getauchten Kruzifixes, das Teil einer Wanderausstellung war, die von der National Endowment for the Arts finanziert wurde. Einige Wochen später beschloss die Corcoran Gallery of Art in Washington, DC, eine Ausstellung homoerotischer und sadomasochistischer Fotografien von Robert Mapplethorpe abzusagen, dessen Ausstellung am Institute of Contemporary Art der University of Pennsylvania ebenfalls Bundesmittel erhielt. 1990 wurde vier Künstlern von der NEA die Finanzierung verweigert, weil sie offenkundig Sexualität, Trauma oder Unterwerfung thematisierten. (1998 entschied der Oberste Gerichtshof, dass die Charta der NEA gültig sei und Künstler nicht diskriminiere oder ihren Ausdruck unterdrücke.) Durch die Schaffung und Ausstellung dieser Werke forderte Opie offen diejenigen heraus, die den Wanderer beschämen wollten. Gemeinschaften und zensieren ihre Sichtbarkeit in der Kunst. „Sie ist eine Insiderin und eine Outsiderin“, schreibt der Times-Kunstkritiker Holland Kotter anlässlich einer Opie-Retrospektive über Guggenheims Karriere 2008. „Opie ist Dokumentarfilmer und Provokateur; klassizistisch und individualistisch; Wanderer und Stubenhocker; eine lesbische feministische Mutter, die sich der Mainstream-Schwulenbewegung widersetzt; Amerikanerin – Geburtsort: Sandusky, Ohio – die ernsthafte Streitigkeiten mit ihrem Land und ihrer Kultur hat.

DB: Diese Frage der Intimität – wer versucht zu kontrollieren, was ich mit meinem Körper mache und wie ich mich entscheide, eine Familie zu gründen – all diese Themen sind vereint, wenn wir darüber nachdenken, wie einige dieser Werke heute klingen. Das sind immer noch Dinge, mit denen wir uns dringend befassen. Mutterschaft zu haben und Kinder großzuziehen ist tief in der Arbeit. Die Verletzlichkeit, sich so der eigenen Kamera zu präsentieren, die ich bei Goldin auch unglaublich finde, ist die Frage, wer ist meine Welt und wen möchte ich ein Teil davon sein?

HERR.: In beiden Fällen ist es somich und über sie und es ist eine riesige Sache, die die Frauen mitgebracht haben. Während der AIDS-Krise wurde viel über mich geschrieben, aber Cathy und Nan haben wirklich viel bewirkt.

KT: Auch bei Nan ist diese Gemeinschaftsidee im Sinne einer Zusammenarbeit. Im Gegensatz zu einem Fotografen, der ein Foto von Ihnen macht, machen Sie ein FotoMit du selber.

Lutz Bacher (geb. 1943 in den USA; gest. 2019) ist eine Anomalie im Zeitalter leicht durchsuchbarer Biografien und Online-Profile. Die Künstlerin verwendete ein Pseudonym, das ihren ursprünglichen Namen verschleierte. Es gibt nur wenige Fotos von ihrem Gesicht. Vielleicht ist es deshalb nicht verwunderlich, dass sich ein Großteil von Bachers Arbeit auf Fragen der Offenlegung, Sichtbarkeit und Privatsphäre konzentriert. Nachdem bei Peer Hearn, dem prominenten Kunsthändler, der sie vertrat, am 22. Januar 1997 Leberkrebs diagnostiziert wurde, stellte Bacher eine Kamera über Hearns Schreibtisch auf und filmte ununterbrochen zehn Monate lang. Wir sehen, wie Hearn sitzt, telefoniert, sich mit Künstlern trifft; Hearn erscheint immer weniger im Bild, während sich ihre Krankheit verschlimmert. Bacher hat nach dem Tod des Händlers im Jahr 2000 1.200 Stunden Videomaterial zu 40-minütigem Videomaterial zusammengefügt und so einen ungewöhnlichen Einblick in das Innenleben der Galerie geschaffen.

TLF: Folgendes interessiert mich: Cady Noland, Lutz Bacher und Sturtevant – schwer fassbar ist ein Wort, anonym ein anderes. Menschen. Es ist interessant, dass sie in einer Zeit nachhallen, in der es so viele Prominente gibt.

CT: Ich glaube nicht, dass Lutz jemals schwer fassbar war.

HERR: Ich denke auch nicht.

TLF: Nun, nie wirklich benannt.

HERR: Alias.

CT: Sie hatte einen Namen. Es war Lutz.

TT: Aber es gibt nur zwei Bilder von ihr online gegen hundert von jemand anderem. Den Druck, so präsent zu sein, damit die Arbeit richtig funktioniert, höre ich oft.

HERR: Schauen Sie, was passiert ist, als Jackson Pollock im Life-Magazin landete. Die Abstrakten Expressionisten wollten definitiv nicht gebrandmarkt werden. In jüngerer Zeit haben Kuratoren angefangen, verrückte Dinge zu fragen wie „Setzen Sie Ihr Foto mit Ihrem Etikett“. Nein danke. Die Times-Reporter haben jetzt sogar kleine Fotos in ihren Biografien – alle personalisiert, weil wir uns nicht erinnern, dass der Job für sich allein steht.

19. Michael Asher, „Michael Asher“, Santa Monica Museum of Art, 2008

Michael Asher (geb. 1943 in Los Angeles; gest. 2012) hat seine Karriere damit verbracht, auf jeden Galerie- oder Museumsraum mit ortsspezifischen Arbeiten zu reagieren, die die architektonischen oder abstrakten Qualitäten des Ortes beleuchten. Als das Santa Monica Museum of Art (heute Institute of Contemporary Art, Los Angeles) 2001 einen Konzeptkünstler bat, eine Ausstellung zu organisieren, vertiefte er sich in die Geschichte der Institution und stellte die Holz- oder Metallrahmen aller temporären Wände nach wurde für 38 vorangegangene Ausstellungen gebaut.Das Ergebnis war ein Nelkenlabyrinth, das Zeit und Raum effektiv zerstörte und mehrere Kapitel der Museumsgeschichte in die Gegenwart holte. Diese Arbeit charakterisierte seine einzigartige Praxis für mehr als 40 Jahre: 1970 entfernte Usscher alle Türen des Ausstellungsraums am Pomona College in Claremont, Kalifornien, um Licht, Luft und Ton in die Galerien zu lassen und die Aufmerksamkeit der Betrachter darauf zu lenken Orte, die normalerweise - buchstäblich und im übertragenen Sinne - von der Außenwelt geschlossen sind; für eine Ausstellung 1991 im Centre Pompidou in Paris durchsuchte er alle Bücher, die in der Bibliothek des Museums in "Psychoanalyse" aufbewahrt wurden, nach übrig gebliebenen Papierfragmenten, einschließlich Lesezeichen; 1999 erstellte er einen Band, der fast alle Kunstwerke auflistet, die das Museum of Modern Art in New York seit seiner Gründung nicht mehr existiert – vertrauliche Informationen wurden selten veröffentlicht.

20. A. K. Burns und A. L. Steiner, Community Action Center, 2010

«Public Action Center“, ein 69-minütiges erotisches Spiel in der Fantasie der Künstler A. Burns (geb. Capitola, CA, 1975) und A. Steiner (geb. Miami, 1967) und ihrer Freundesgemeinschaft, ist ein Fest des Seltsamen Sexualität sowohl spielerisch als auch politisch. Wir beobachten eine Vielzahl von Schauspielern über Generationen hinweg, die sich an freudigen hedonistischen Akten des persönlichen und gemeinsamen Vergnügens beteiligen, darunter Farben, Eigelb, Autowäsche und Maiskolben. Obwohl das Video damit beginnt, dass Kabarettstar Justin Vivian Bond Zeilen aus Jack Smiths Experimentalfilm Normal Love rezitiert, gibt es ansonsten wenig Dialog. Stattdessen liegt der Fokus auf traumhaften Visuals, gefilmt mit unzeremonieller Intimität auf gemieteten und geliehenen Kameras, und den inneren Gefühlen, die sie hervorrufen. Community Action Center ist ein seltener Betrug, der sich nicht auf männliches Verlangen oder Befriedigung bezieht, weshalb Steiner und Burns, die beide Aktivisten und Künstler sind, es teilweise als „sozialsexuell“ bezeichnen. Radikale Politik ist jedoch nicht auf Kosten der Sinnlichkeit erforderlich. Das Teil soll necken.

CT: Auch das ist eine sehr wichtige Arbeit.

TLF: Ich habe es nicht gesehen

KT: Sie haben dieses Projekt angeführt, um im Wesentlichen Pornos zu machen, aber es ist viel mehr als das, mit allen möglichen Leuten aus ihrer queeren Community. Es umfasst so viele Künstler, die wir kennen, die gerade arbeiten und sehr sichtbar sind, aber es ging darum, herauszufinden, wie man seinen Körper zeigt, seine Sexualität zeigt, seinen Körper teilt, seine Sexualität teilt, es zum Leuchten bringt, es tut ernsthaft, mit Musikern zusammenarbeiten. Dies ist das verrückte Dokument des Augenblicks, der das Gespräch eröffnet hat.

Dan Wo (geb. 1975 in Vietnam) wanderte mit seiner Familie nach dem Fall Saigons 1979 nach Dänemark aus. We the People, eine Nachbildung der Freiheitsstatue aus Messing in Originalgröße, ist vielleicht sein bisher ehrgeizigstes Werk. Die in Shanghai hergestellte kolossale Figur existiert in etwa 250 Exemplaren, die in öffentlichen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt verstreut sind. Es wird niemals vollständig aufgebaut oder ausgestellt. In ihrem fragmentierten Zustand weist Waughs Statue auf die Heuchelei und Widersprüche westlicher Außenpolitik hin. Das ursprüngliche Denkmal, ein Geschenk Frankreichs an die Vereinigten Staaten, das 1886 eingeweiht wurde, wurde als Feier der Freiheit und Demokratie angekündigt, Werte, die beide Nationen im Umgang mit anderen Ländern bereitwillig ignoriert haben. Zum Zeitpunkt der Einweihung hielt Frankreich Kolonien in Afrika und Asien, einschließlich Vietnam, wo eine Miniaturversion der Statue auf dem Dach des Tempels Tháp Rùa (oder Schildkrötenturm) in Hanoi installiert wurde. Die Vereinigten Staaten unterstützten später das französische Militär im Heimatland der Waadt finanziell, um den Krieg zur Verteidigung der Demokratie gegen den Kommunismus zu führen. Bis dahin hatte die Freiheitsstatue natürlich Millionen von Einwanderern in den Vereinigten Staaten willkommen geheißen und war zu einem Symbol des amerikanischen Traums geworden. Seit dem aktuellen brutalen Vorgehen gegen die Einwanderung an der Grenze zwischen den USA und Mexiko hat sich Waughs fragmentierte Ikone nie düsterer angefühlt. Die Freiheitsstatue hat Millionen von Einwanderern in den Vereinigten Staaten willkommen geheißen und ist zu einem Symbol des amerikanischen Traums geworden. Seit dem aktuellen brutalen Vorgehen gegen die Einwanderung an der Grenze zwischen den USA und Mexiko hat sich Waughs fragmentierte Ikone nie düsterer angefühlt. Die Freiheitsstatue hat Millionen von Einwanderern in den Vereinigten Staaten willkommen geheißen und ist zu einem Symbol des amerikanischen Traums geworden. Seit dem aktuellen brutalen Vorgehen gegen die Einwanderung an der Grenze zwischen den USA und Mexiko hat sich Waughs fragmentierte Ikone nie düsterer angefühlt.

DB: Ich habe mich dafür entschieden, weil es die Idee eines Meisterwerks komplett wegnimmt. Dies ist eine Statue, die viele Bedeutungen hat, aber vollständig verteilt ist. Die Profile werden in China hergestellt, richtig?

RT: Ja.

DB: Die Idee ist also auch, dass diese Entität, die mit den Vereinigten Staaten gleichbedeutend ist, jetzt zur Supermacht der Zukunft gemacht wird. Es signalisiert, wie andere Zukünfte aussehen werden, und bringt uns zurück zu der Idee, dass „Modernität“ völlige Unwissenheit ist. Wir wissen nicht, was zur Hölle „zeitgenössisch“ bedeutet, und ich denke, in gewisser Weise bestätigen diese Arbeiten, dass wir mit dieser Ignoranz beginnen.

KT: V Es gab so viel Gewalt und Wut in dieser Arbeit. Wut ist ein großer Teil der Arbeit, die Künstler jetzt machen – jeder spürt sie – besonders die Wut der Vertriebenen. Bei dieser Idee geht es darum, was wir als Land auf der ganzen Welt getan haben.

Seit 1994, als die 24-jährige Kara Walker (geb. 1969 in Stockton, Kalifornien). Sie beeindruckte die Zuschauer zum ersten Mal mit ausgeschnittenen Papierinstallationen, die die Plantagenbarbarei darstellten, und sprach über die lange Geschichte rassistischer Gewalt im Land. 2014 schuf Walker Subtlety, eine monumentale Sphinx aus Polystyrol, die mit weißem Zucker überzogen war. Das Stück dominierte die riesige Halle der Domino Sugar Mill in Brooklyn, kurz bevor der größte Teil der Mühle für Eigentumswohnungen abgerissen wurde. Im Gegensatz zu ihren schwarzen Papiersilhouetten weißer Sklavenhalter verlieh Walker der kolossalen weißen Skulptur die Merkmale einer stereotypen schwarzen „Mutter“ mit Kopftuch, Bilder, die von Melassemarken verwendet werden, um ihre Produkte zu verkaufen. Walkers Sphinx verursacht auch im alten Ägypten Zwangsarbeit. „In meinem eigenen Leben, in meiner eigenen Art, mich in der Welt fortzubewegen, fällt es mir schwer, zwischen Vergangenheit und Gegenwart zu unterscheiden“, sagte er. „Alles scheint mir auf einmal aufzufallen.“

HERR: Die „Subtilität“ verärgerte viele Menschen, weil es um die Geschichte der Arbeit und des Zuckers an einem Ort ging, der kurz vor der Gentrifizierung stand. Es war ein riesiges, mamaartiges, sphinxartiges, weibliches Objekt, und dann hatte es all diese kleinen schmelzenden Babys. „Subtilität“ ist Teil einer sehr langen Tradition, die ihren Ursprung in der arabischen Welt hat und sich sowohl mit der Herstellung von Gegenständen aus Ton als auch aus Zucker befasste. Es wirkt sich also auf die Kosten des Bergbaus aus, aber es wirkt sich auch auf die Sklavenarbeit aus. Und dasAuchdort, wo Lohnsklaverei stattfand, war die Zuckerarbeit am schlimmsten. Die Domino Sugar Mill war einst im Besitz der Havemeyers und Henry Havemeyer war einer der Hauptsponsoren des Metropolitan Museum of Art. Der König des Zuckers war der König der Kunst. Also hatte er all diese Dinge – und es gibt eine Idee, dass all diese Leute Selfies vor ihm machen. Es war extrem brillant, ohne ein Wort zu sagen.

TLF: Martha, du hast mir per E-Mail gesagt, dass du gegen die Idee eines bahnbrechenden Meisterwerks bist. Ich dachte, wir sollten es zu Protokoll geben.

HERR: Ich kann gerne sagen, dass es in der heutigen Zeit sinnlos ist, von isoliertem Arbeiten zu sprechen, denn wenn die Arbeit erst einmal wahrgenommen wird, merkt jeder, was die Person zuvor getan hat oder wer neben ihnen war. Kunst entsteht nicht isoliert. Das bringt mich zu „Genie“: Meisterwerk und Genie gehören zusammen.Dies war einer der ersten Angriffe von Künstlerinnen. So sehr wir Mike Kellys Arbeit respektieren, er sagte immer, dass alles, was er tat, davon abhinge, was die Feministinnen in Los Angeles zuvor getan hatten. Ich glaube, er meinte, dass Niedergeschlagenheit, Schmerz und Beleidigungen Dinge sind, denen es sich lohnt, in der Kunst Beachtung zu finden. Und es war etwas, was zu diesem Zeitpunkt niemand getan hätte, außer vielleicht Paul McCarthy. Die Idee eines Meisterwerks ist sehr reduzierend.

CT: Dies wirft die gute Frage auf, dass es eine Verantwortung gibt, dies zu hinterfragen. Wird es so sein?

TT: Nein, aber ein Werk aufzulisten, das „die Moderne definiert“, bedeutet nicht unbedingt, dass es ein Meisterwerk sein muss.

HERR: Nun, es könnte seinSchlecht Meisterwerk. Man könnte sagen Dana Schutz [Autorin einer umstrittenen Arbeit aus dem Jahr 2016, die auf einem Foto von Emmett Tills verstümmeltem Körper basiert, der in seinem Sarg gelyncht wurde]. Aber Eigentumsfragen kehren in die Arbeit von Sherry Levine und Walker Evans zurück. Was ist das Eigentum an dem Bild? Was ist eine Fotoreproduktion? Die Kulturkriege der 80er hingen alle von der Fotografie ab, ob es nun Christ Pis oder Robert Mapplethorpe war, und wir kämpfen immer noch mit diesen Dingen. Wir wollen nicht über sie sprechen. Niemand hier namens Mapplethorpe – interessant.

CT: Dachte darüber nach.

HERR: Niemand erwähnte William Eggleston, weil wir Fotografie in der Kunstwelt wirklich hassen. Niemand namens Susan Meiselas. Wir wollen immer, dass Fotografie etwas anderes ist, also Kunst, was Sie eigentlich zu Cindy Shermans „Untitled Film Shots“ gesagt haben. Wir wissen, dass es nicht gerade ein Foto ist. Ich frage mich immer, wie Kunst immer bereit ist, ein Foto aus dem Raum zu werfen, wenn es nicht gefragt wird: "Ja, aber es war wirklich wichtig für Identität, Bildung oder Anerkennung." Es ist immer thematisch. Es ist nie formell.

Die Geburt ist das Thema von The Child, sieben Fotografien von Hyeji Shin (*1976 in Seoul, Südkorea), die Momente nach der Krönung festhalten. Shin beleuchtet einige der unbestreitbar blutigen Szenen mit einem sengend roten Licht. Die anderen Bilder sind kaum beleuchtet, und die faltigen Gesichter der Fast-Geborenen tauchen aus bedrohlichen schwarzen Schatten auf. Während uns diese Fotos an unsere gemeinsame Menschlichkeit erinnern, sind sie kaum sentimental oder feierlich – einige von ihnen sind geradezu beängstigend. Diese Komplexität ist das Herzstück von Sheens Praxis, von pornografischen Fotos von gemeißelten Männern, die als Beefcake-Cops verkleidet sind, bis hin zu kolossalen Porträts von Kanye West, die kurz nach dem aufrührerischen Gespräch des Rapper mit Donald Trump debütierten. (Zwei Porträts von Kanye und fünf Babies wurden auf der Whitney Biennale 2019 gezeigt.) In einer Zeit, in der politische Kunst allgegenwärtig ist und junge Künstler linkshändigen Zuschauern vorhersehbar genau das sagen, was sie hören wollen, zeichnet sich Sheen aus. Ihre Fotografien beantworten keine Fragen. Stattdessen verlangen sie viel von ihrem Publikum.

TT: Ich war besessen von den „Baby“-Fotos. Ich meine, ich wollte selbst einen. Aber dann sagte mein Partner: "Nun, was zum...", wie: "Ich habe eine Schwangerschaft gesehen, was ist der Unterschied?"

CT: "Könnte ein Kind das tun?"

TT: Oder nicht wirklich, aber: Ich verstehe es ästhetisch und interessiere mich für Fotografie, aber was sagt es aus und was tut es?

CT: Niemand will sich diese Arbeit ansehen. Niemand will diesen Akt sehen. Niemand will über Mutterschaft sprechen. Niemand will Frauen so ansehen. Niemand will so eine Vagina sehen. Niemand will eine Person sehen, die so aussieht. Ich finde, diese Arbeit hat etwas Rohes, Ekelhaftes und sehr Kühnes.

24. Cameron Rowland, Einheitliches Gerichtssystem des Staates New York, 2016

In einer viel diskutierten Ausstellung mit dem Titel „91020000“ im Jahr 2016 im New Yorker gemeinnützigen Artists Space zeigte Cameron Rowland (geb. Philadelphia, 1988) Möbel und andere Gegenstände, die von Häftlingen hergestellt wurden, die oft für weniger als einen Dollar pro Stunde arbeiteten sowie weitgehend Fußnotenforschung zur Mechanik des Masseneinschlusses. Das New York State Department of Corrections verkauft diese Produkte unter dem Markennamen Corcraft an Regierungsbehörden und gemeinnützige Organisationen. Artists Space hatte das Recht, die Bänke, Kanaldeckel, Feuerwehruniformen, Metallstangen und andere in der Ausstellung enthaltene Gegenstände zu kaufen, die Rowland an Sammler und Museen vermietet, anstatt sie zu verkaufen. Die spärliche Installation erinnert an die des minimalistischen Bildhauers Donald Judd, während Rowlands politisch motivierte Herangehensweise an den Konzeptualismus und die Betonung rassistischer Ungerechtigkeit Vergleiche mit Cara Walker und dem amerikanischen Licht- und Textkünstler Glenn Lygon hervorriefen. Der New Yorker führte Rowlands künstlerische Abstammung auf „Duchamp, via Angela Davis“ zurück.

T.T.: Arbeit Cameron Rowland steht weiter am Rand dessen, was als Kunst gilt. Sie beantragen einen Katalog zum Kauf von Gefängnisgütern. Er macht die meiste Arbeit, ich verstehe nicht einmal wie. Ich habe noch viele Fragen und wir sind Freunde. Es ist das Aufdecken neuer Nebeninformationen, die ich wirklich interessant und gleichzeitig verwirrend finde.

25. Arthur Jafa, „Liebe ist eine Botschaft, eine Botschaft ist der Tod“, 2016

In einer Zeit, in der die schiere Menge an Bildern – von Leidensbildern bis hin zu Badezimmer-Selfies – droht, Empathie auszuschließen, ist Arthur Jafas siebeneinhalbminütiges Video „Love is a message, a message is death“ genau das Richtige ein tief bewegendes Gegenmittel gegen Gleichgültigkeit. Durch Clips, TV-Shows, Musikvideos und persönliche Aufnahmen zeigt Jafa (geb. Tupelo, Ms., 1960) die Triumphe und Schrecken des schwarzen Lebens in Amerika. Wir sehen Reverend Martin Luther King Jr. und Miles Davis; Cam Newton rennt um Touchdown-Sieg Polizist aus Texas knallt junges Mädchen zu Boden; Barack Obama singt „Amazing Grace“ in einer Kirche in Charleston, in der neun Menschen von einem weißen Rassisten getötet wurden; und Jafas Tochter an ihrem Hochzeitstag. Der Film feierte sein Spielfilmdebüt in Gavin Browns Einrichtung in Harlem, nur wenige Tage nachdem Donald Trump die Präsidentschaftswahlen im November 2016 gewonnen hatte. Jafa installierte Looks, die von Kanye Wests Gospel-Hymne „Superlight Beam“ inspiriert waren.

TLF: Jafa scheint mir irgendwie populärer zu sein, wenn ich das Wort benutzen darf. Er kreuzt zu anderen Welten.

TT: Es geht auf David Hammons zurück, weil – ich meine [Adidas Yeezy] Turnschuhe von Kanye weggeschmissen habe. [West entfremdete viele seiner Fans, als er im Oktober 2018 das Weiße Haus besuchte, indem er Präsident Trump seine verbale Unterstützung anbot und eine Baseballmütze von Make America Great Again trug.]

CT: Wie rechtfertigen Sie diese Arbeit denn? Sie haben Arthur Jafa immer noch auf die Liste gesetzt, und das interessiert mich wirklich.

TT: Weil es nicht istmein aufführen. Ich dachte: "Das ist modern." Und ich denke, ein gutes Kunstwerk kann problematisch sein. Kunst ist eines der wenigen Dinge, die ein Problem überwinden oder verkomplizieren können. Liebe ist die Botschaft kann immer noch ein sehr gutes Kunstwerk sein, und ich kann Arthur Jafas Herangehensweise nicht zustimmen. Niemand sonst hat es getan. Niemand sonst in der Geschichte hat ein solches Video erstellt. Es bringt die Dinge immer noch voran, auch wenn sie sich ein wenig zurückbewegen.

DB: Ich denke, Artur Jafa kommt aus einer Reihe von Collagen- und Fotomontagekünstlern – von Marta Rosler, die genau hier sitzt, bis hin zu frühen Künstlern, die aus der russischen Avantgarde kommen – diese Idee, der man nicht zustimmen oder an die man sich halten muss, von einer einzigen Standpunkt. Jedes Bild oder Musikstück bedeutet für sich genommen nichts; Es ist in der Gegenüberstellung, wo die Bedeutung zusammenkommt.Was an diesem Stück so interessant ist, ist, wie verführerisch es sein kann, und in gewisser Weise lässt es uns auch wegen der Brutalität einiger Bilder dieser verführerischen Qualität widerstehen.